Kurt Laurenz Theinert: Die Herausforderung der Improvisation

Mein Verständnis von Licht wurzelt in der Fotografie _ Fotografieren zu entwerfen, zu gestalten und zu machen _ alle Prozesse sind lichtbezogen und sie machten mich vertraut mit den den Grenzen, den Notwendigkeiten und den Möglichkeiten von Visualität. Je tiefer mein Verständnis wuchs, desto mehr wollte ich diese Erfahrung – den Prozess des Erscheinens und Verschwindens oder des „Happenings“ – mit anderen teilen, natürlich mit Künstler_innen und Kurator_innen, aber auch mit einem aufmerksamen Publikum. Vor etwa acht Jahren begann ich einer Reihe von Performnaces, die mich um die ganze Welt geführt haben.

Mit konzeptioneller und technischer Unterstützung entwickelte ich das „Visual Piano“, ein Instrument, das es mir erlaubt, mit Licht, Form und Farbe in Raum und Zeit zu spielen. Die Idee war nicht neu, es gibt eine große Tradition von Farb- und Klangspielgeräten. Ich weiß nicht, wie weit wir es in der Geschichte zurückverfolgen können, aber ich war inspiriert von den frühen Ideen, die im 16. Jahrhundert entwickelt wurden, oder als ich von dem französischen Mönch Louis Bertrand Castel im 18. Jahrhundert hörte, der die Idee eines „Clavecin pour les Yeux“ vorschlug. In den 1920er Jahren prägte der Däne Thomas Wilfred das Wort „lumia“, um dies als Ausdruck künstlerischen Ausdrucks zu beschreiben. Er entwickelte eine Reihe von Instrumenten und mit den späteren konnte er sogar farbige Bilder projizieren und nicht nur farbige Lichtfelder wie bei seinen früheren Instrumenten. In Deutschland wurden von den späten 1920er Jahren bis Anfang der 1930er Jahre auf einer Reihe von Farbmusik-Kongressen diverse Farborgeln vorgeführt. Ludwig Hirschfeld-Mack führte sein „Farbenlichtspiel“ auf einer Farborgel auf, die er an der Weimarer Bauhausschule in Zusammenarbeit mit Kurt Schwerdtfeger entwickelt hatte. Wenn man anfängt in Geschichte und Gegenwart zu recherchieren, stellt man fest, dass ich nicht der Einzige war, sondern dass es über die Jahrhunderte ein breites künstlerisches Interesse gab, die Ästhetik der Frequenzen von Licht und Klang zu erforschen. Mein „Visual Piano“ ist eine Version, die auf digitalen Steuerungen basiert und immer noch einzigartig in der Welt ist.

Spielen ist für mich ein ganzer abstrakter Prozess, es gibt kein konzeptuelles Denken, keine Leitidee und keine Bedeutung, ich möchte nur die Dynamik und Ästhetik der Vernetzung von Licht, Raum, Zeit, Musik und mir erforschen. Es ist immer eine besondere Herausforderung, einen Raum zu verstehen, um den perfekten Aufbau zu finden – seine Oberflächen, seine Verhältnisse, sein Echo und seine Frequenzen. Ich genieße diese Zeit der Annäherung, weil ich einen Raum mit seinen sichtbaren und unsichtbaren Eigenschaften entdecke. Es wird Partner und Gegenstück zugleich, weil alles, was ich tue, durch den Raum verändert wird _ das projizierte Licht wird durch eine Wand gestoppt, die Formen werden durch die umgebende Architektur transformiert und die projizierten Farben vermischen sich mit den Körperfarben der Projektionsfläche. Alle diese Aspekte sind mein Orchester, und wo immer ich hingehe, hat jede Verbindung ihre eigene Konstitution und Resonanz. Die Farben und Formen, die ich generiere, sind nicht voreingestellt, ich entwickle sie vor Ort und kann sie verändern, wenn ich neue Möglichkeiten sehe, wie ich mit einem Raum kommunizieren kann.

Meine künstlerische Forschung ist dem Zusammenspiel aller Komponenten gewidmet und die performativen Aspekte sind dabei sehr wichtig. Alles verändert sich ständig und dennoch betrachten wir Farbe als etwas Dauerhaftes und eine materielle Form als ewig, obwohl wir wissen, dass nichts für immer ist – auch wir selbst. Ich konzentriere mich mehr auf Dynamik als auf Materialien und lerne mehr über Systeme als über Objekte. Und ich liebe es diese Komplexität einfach zu zelebrieren.

Wo immer ich hingehe, versuche ich, Musiker_innen zu finden, mit denen ich spielen kann. Klang und Licht haben viele Eigenschaften gemeinsam und obwohl wir uns in verschiedenen Sphären bewegen, können wir uns gut verständigen. Ich schöpfe viel Inspiration aus den Qualitäten und dem Verhalten von Klang und suche Musiker_innen, die sich für die transmediale Zusammenarbeit interessieren. Je besser sie ihr Instrument und den Raum kennen, desto mehr können wir uns auf unsere Kommunikation als ästhetischen Prozess konzentrieren. Die Improvisation in der Musik hat eine lange Tradition. Die kreative Tätigkeit der in-the-moment-Komposition erkennt sowohl die Qualitäten des Settings als auch den reaktionsaktiven Teil der Spieler_innen an. Sich zu treffen und gemeinsam zu improvisieren ist eine großartige Möglichkeit, sich kennenzulernen und den Raum, in dem wir uns treffen, kennenzulernen.

Diese Begegnungen zu teilen, bedeutet, den fragilen Moment zu teilen, in dem zwei Systeme beginnen zu korrespondieren. Die Offenheit und Transparenz schließt das Publikum mit ein, das eine weitere Kraft in der Performance ist. Die Anwesenheit von Menschen verändert die visuellen und akustischen Qualitäten des Raumes und ein bewegtes Publikum ist wie ein dritter Improvisator am Set. Es ist einfach eine erstaunliche Erfahrung, sich zu verbinden. Ich mag die Herausforderung der Improvisation, die uns daran erinnert, präsent zu sein.

Zusammenfassung des Interviews mit Kurt Laurenz Theinert am 3. September 2017: Bettina Pelz]



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